2018年05月28日

名工の明治

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今年は、明治元年(1868)年から満150年。
東京国立近代美術館工芸館開館40周年記念と合わせて、明治から現代までの名工による工芸品約100点が展示されています。
北の丸公園内にある国立近代美術館。
工芸館は、本館から徒歩5分くらいの距離ですが、ゆるい登り坂になっているので、もっと遠く感じます。

Ⅰ. 明治の技の最高峰―帝室技芸員

帝室技芸員とは、日本の宮内省によって運営された、最高峰の美術・工芸作家の顕彰制度で、明治中期から終戦前年まで任命されました。現在の人間国宝の前身ともいえます。

帝室技芸員であり明治工芸の超絶技巧者として名を馳せた、板谷波山、初代宮川香山、加納夏雄の作品が並びます。

香山ファンの私としては、彼の作品を見られただけでも来たかいがあります。
雛を見守る親鳥の愛情あふれる作品。

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初代宮川香山 (1842-1916) 鳩桜花図高浮彫花瓶 c.1871-82 陶器


菖蒲図花瓶は超絶技巧作ではありませんが、控えめながら凛とした形と採色の美しさが際立ちます。
初夏を体現しているかのような作品に、しばらく見入りした。

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初代宮川香山 (1842-1916) 色入菖蒲図花瓶 c.1897-1912 磁器


Ⅱ. 明治の名工―鈴木⻑吉と《十二の鷹》

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今回のメイン展示。1室まるごとこの作品のためにしつらえられ、中央に十二羽の鷹が停まっています。
今にも動きそうなほど、リアルな仕草の鷹をいろいろな角度から眺められるぜいたくさ。
金、銀、銅、赤銅、四分一といった金属を使い分け、どっしりとした中にも華やかな効果を上げています。

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これは帝室技芸員だった鈴木長吉(1848-1919)の代表作の一つ。
実際に鷹を飼って観察し、4年の製作期間をかけて生み出した精緻な表現。
観れば観るほど、その精巧さに驚くばかりです。

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1893年に開催されたシカゴ・コロンブス世界博覧会で発表され、好評を博したもの。
東京国立近代美術館工芸館が所蔵しており、数年をかけて修復・復元したもののお披露目会となっています。
発表当時、アメリカ人も生きているような鷹の姿を見て、舌を巻いたことでしょう。
いやあ、これは本当にすごいわ。一見の価値ありです。

Ⅲ. 技の展開と新風

鷹の興奮冷めやらぬままだったので、多少ポーっとしながらの鑑賞となってしまいましたが、第1章に一つあった板谷波山の作品が、さらに3点も展示されていました。

田辺⼀竹斎(二代竹雲斎) (1910-2000)の「透し編瓢形花籃」(1939)は、見事な竹細工品でした。

Ⅳ.技を護る・受け継ぐ−戦後の工芸保護政策と、今日の技と表現

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戦後から現代の人間国宝による作品までが展示されています。

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十二代今泉今右衛門「色鍋島緑地更紗文八角大皿」 c.1974

美しい色合いが目を引く今泉今右衛門の八角大皿。
よく見ると不思議なデザインで、尻尾の長いユーモラスな顔の動物が描かれていました。
ムジナかタヌキでしょうか?

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北⼤路魯山人 (1883-1959) 色絵金襴手蓋物 c.1940 磁器

魯山人による、朱と金を基調とした華やかな五点ものの蓋物。

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黒田辰秋 (1904-1982) 朱漆流稜文飾箱 c.1957

なんとも不思議な箱です。
どこがふたでどうやって開けるのか、よくわかりませんでした。
日本にもこんなモダンデザインの萌芽があったとは。

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江里佐代子 (1945-2007) 截金六角組飾筥 六花集香 1992 木、金属箔、截金

同行の母が一番注目した作品。
女性ながら截金分野で3人目の人間国宝(過去最年少)となりましたが、近年突然死去され、芸術界が悲しみに沈んだとのことです。
落ち着いた品のある飾り箱が展示されていました。
厚さ1mm以下の細い金箔や銀箔を張り付けた細かな模様。
これも、ふたを開けた時の様子を見てみたいものです。

2020年には金沢に移転が決まっている工芸館。
あと2年後に迫り、カウントダウンも始まっています。
そんな中で、館が所蔵する明治の傑作品を鑑賞するいい機会となりました。

工芸館開館40周年記念 名工の明治
2018年3月1日(木)-5月27日
東京国立近代美術館工芸館

2018年05月21日

プーシキン美術館展-旅するフランス風景画

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ここのところ「旅する○○」という言葉をよく目にするようになった気がします。
以前「旅するルイ・ヴィトン」展を観に行ったし、先日のNHKドキュメント72時間は「旅する美容室」でした。
今回も「旅」をキーワードに構成された展覧会です。

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■ プーシキン美術館について
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ロシアといえば、何日かけても観きれないと言われるエルミタージュ美術館の存在が何より大きいですが、ほかにもプーシキン美術館やトレチャコフ美術館といった珠玉の美術館が存在しています。
今回は、プーシキン美術館所蔵のフランス絵画展。

現在の名称に変わる前は、モスクワ大学の付属美術館でしたが、もっと前は革命前のモスクワで財をなした裕福な資本家、セルゲイ・シチューキンとイワン・モロゾフの2人のコレクターが19世紀末から20世紀初頭に収集したコレクションでした。
それがロシア革命を経て国家に摂取され、国営のものとなったわけです。
エルミタージュはエカチェリーナ二世が国家権力を使って収集しましたが、こちらは一般人の目利きで集められた作品群。対照的です。

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■ 風景画とは
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かつて王侯貴族の依頼で描かれた絵画は、神話や聖書のモチーフが作品題材のメインで、風景はその背景を飾る添え物の程度でしかありませんでした。
風景を主として描いた風景画は、17世紀のネーデルラント地方で市民階級が豊かになったことから始まり、フランスに導入されます。
それまでは理想的な、非現実的な風景が描かれてきましたが、19世紀に自然主義のバルビゾン派が生活に根差したありのままの自然を描き始めました。

今回は、17世紀から20世紀の風景画65点。17世紀半ばから20世紀初頭のフランス風景画にテーマを絞っています。
時代と場所別に、芸術家の手掛ける風景画の表現の変遷が分かる仕組み。
数はそれほど多くありませんが、物足りなさはありません。

全6章編成。各構成は以下の通りです。
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■ 第1章 近代風景画の源流
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王宮の華やかな文化に裏打ちされた17~18世紀の作品から、風景画の旅が始まります。

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クロード・ロラン《エウロペの掠奪》1655年


17世紀のフランス画家、クロード・ロランの作品。白い牡牛に姿を変えたゼウスが王女エウロペを連れ去る光景の直前の様子です。
神話の世界を抒情的に描きながらも風景の割合がだんだん大きくなり、人物の背後に広がる海の方が印象的な構図になっている点が、前世紀の神話画とは違うところです。

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■ 第2章 自然への賛美
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フランスで風景画がジャンルを確立したのは、フランス革命後の18世紀だそう。
19世紀に入ると、理想的に描かれた風景は、身近ななにげない自然を描いたバルビゾン派の風景画が人気となります。

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ギュスターヴ・クールベ《山の小屋》1874年ごろ


風景しか描かれていない風景画。
冷たさを感じる重々しい人物像が印象的なクールベですが、雄大なアルプス山脈を背にした山小屋が描かれたこの作品には、自然の中での人のつつましい生活を連想させる素朴な暖かさが感じられます。

1870年のパリ・コミューンに参加した彼は、逮捕され、その後1873年にスイスに亡命しました。
その1年後に亡命先で描いた作品です。

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■ 第3章 大都市パリの風景画
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風景画といっても、自然を描いたものばかりを指すわけではありません。大都会も立派な風景の一つです。
19世紀の半ば(1853-90)に実施された「パリ大改造」で、街並みが大きく変わりました。
19世紀半ばにはイルミネーションが灯されて、夜も明るくなったパリ。
印象派の画家たちは、近代都市となったパリの風景を描いています。

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ルノワール《庭にて、ムーラン・ド・ラ・ギャレットの木陰》1876年


モンマルトルの「ムーラン○○」というお店はどれも、夜に踊り子たちがフレンチカンカンをステージで踊るキャバレーだと思っていましたが、この作品に描かれているのは日中の日差しを浴びている健康的な男女たち。イメージがずいぶん違います。
「ムーラン・ルージュ」はキャバレーですが、こちらは大衆ダンスホールだそう。
おそらくどちらも、風車小屋(ムーラン)から始まったのでしょう。

後姿のストライプの女性の後ろにいるのはルノワール自身とされています。
ルノワールはのかにも『ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会』(オルセー美術館蔵)を描いており、ロートレックやユトリロも、この場所を題材にした作品を残しています。

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■ 第4章 パリ近郊―身近な自然へのまなざし
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19世紀後半には中産階級の暮らしが豊かになり、鉄道網の発達で、休日にはパリ郊外に出かけて余暇を楽しむようになりました。
また、携帯しやすいチューブ絵具が普及すると、印象派の画家たちが戸外で絵画制作をするようになった時期でもありました。

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クロード・モネ《草上の昼食》1866年


今回初来日した《草上の昼食》は、印象派の画家になる前の26歳のモネが描いた初期作品。
マネの《草上の昼食》に刺激を受けて着手した同名の作品ですが、構図は似ていても、物議を呼んだマネの作品とは違い、全員服を着ていて自然です。

縦1.8m x 横1.8mの大作で、パリ郊外、フォンテーヌブローの森でのピクニックの光景。
ピクニックといっても、今の私たちとは違って、人々は豪奢に着飾り、贅沢にご馳走を広げています。
これが当時流行した休日の過ごし方だったのでしょう。

描かれた光に、印象派のきざしが見えていますが、まず目を奪われるのはドレスの豊かなドレープの美しさ。
描かれた女性のモデルは全て、後に妻となるカミーユだと言われています。

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クロード・モネ《白い睡蓮》1899年


生涯200点もの睡蓮を描いた作品を残したモネの、初期の作品。
パリ郊外ジヴェルニーの彼の屋敷に作った庭園で描いたものです。
計算されて作られた庭園という自然の中の人工さが、縦と横、カーブや丸の配置で表されているようです。

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■ 第5章 南へ―新たな光と風景
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ポール・セザンヌ《サント=ヴィクトワール山、レ・ローヴからの眺め》1905年


プロヴァンス生まれのセザンヌは、サント=ヴィクトワール山を生涯30枚以上描きました。
本展では、1885年完成の《サント=ヴィクトワール山の平野、ヴァルクロからの眺め》と、その20年後に描かれたこの作品が並べられており、見比べられます。
個性的になってきた風景画。色を多用したキュビスム的な抽象画。

彼の《ポントワーズの道》も展示されています。
こちらは生まれ故郷南仏とは違う、フランス中央部、イル=ド=フランスの曇り空と濃い緑の風景画になっています。

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■ 第6章 海を渡って/想像の世界
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1867年のパリ万国博覧会ではさまざまな異国の文化が展示され、メディアの発達で世界の情報を知る時代がやってきました。
最後の章は、作品ごとの展示コーナーを作り、それぞれの絵が醸し出す世界観を浮かび上がらせています。

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ポール・ゴーギャン《マタモエ、孔雀のいる風景》1892年


ゴーギャンはパリから離れ、南太平洋のタヒチ島で原始的な暮らししながら制作に没頭します。
「死」という意味のこの作品は、奥行きの深さと華やかな色彩に圧倒されます。
あまり死は連想されませんが、生と同様に死も鮮やかなものだという解釈でしょうか。
あるいは、ここには西洋文明は全く存在しないという意味でしょうか。

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アンリ・ルソー《馬を襲うジャガー》1910年


ゴーギャンとは逆に、生涯フランスを一歩も出ることがなかったルソーは、植物園や図録をもとに、想像で熱帯のジャングルを描きました。

パリの都会人がジャングルを想像して描いた作品は、日光東照宮の想像の象のように近い感覚でしょうか。
リアルがないために、動きや感情が見えない、どこかファンシーで夢物語風の印象。やはり本当のジャングルを知らないパリ人に、逆に受け入れやすかったのかもしれません。

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■ 観終わって
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風景画は、ただ風景を描いただけのものではなかったんですね。
神話の背景から始まって、郊外の自然やパリの都市風景や南フランスの田園、そして世界の風景に視点が映っていった400年間の「旅する」フランス風景画の変遷を堪能できました。

先日の「ヌード展」(横浜美術館)では、西洋画が日本画に比べてはるかにヌードに強烈な興味を持ち続けていたことを実感しましたが、風景画は、中国からの水墨画の影響もあり、日本画で長い伝統があるジャンル。
風景が主体となる絵画が続いてきた文化で、西洋画のように時代がすすむにつれて風景がメインテーマになっていく変遷はないため、そうした違いを興味深く思いました。

プーシキン美術館展-旅するフランス風景画
2018年4月14日(土)~7月8日(日)
東京都美術館

posted by リカ at 19:11| Comment(0) | 【finearts】西洋画 | 更新情報をチェックする